«C'est entre deux croquettes de chez McDo, à Roberval, dans une vieille Mustang décapotable blanche, à cinq ans, que j'ai appris que je passais. "Passer", pour ceux qui connaissent pas le terme, c'est blender dans une société majoritaire, c'est passer blanche. Pendant vingt ans je me suis demandé ça voulait dire quoi, passer. Vingt ans à me demander j'étais qui, moi. À cinq ans, ce que j'aurais aimé entendre, c'est quelque chose comme: "Sois fièr·e d'être ilnu, de tes racines."»

Akuteu: «suspendu», en langue innue. Filant la métaphore de la carcasse de l'animal que l'on suspend, Soleil Launière raconte le vertige d'être en perpétuelle suspension, entre la fierté et la honte, entre les mondes du visible et de l'invisible. Est-il légitime de prendre la parole au nom des siens? Comment démêler l'inextricable noeud dont est faite l'identité? Lire la suite Fermer

Loin de constituer un effet de mode appelé à disparaître, les technologies numériques sont au coeur de la création contemporaine. Créatrices d'esthétiques et de nouvelles narrativités, elles innervent les pratiques de très nombreux artistes et compagnies et appellent de ce fait une réinvention des pratiques scéniques : jeu de l'acteur, narration, conception du personnage, scénographie, mise en scène. De façon plus importante encore, elles émergent comme véritable processus de création, générant des esthétiques et modifiant de façon radicale l'art de faire du théâtre.

Ce livre rassemble vingt et un entretiens, menés entre 2014 et 2019, avec des artistes européens et nord-américains dont l'approche de la scène est marquée par l'intégration des technologies audiovisuelles (parmi lesquels Guy Cassiers, Romeo Castellucci, Heiner Goebbels, Ivo van Hove, Milo Rau, Cyril Teste, Marianne Weems). S'ils n'ont pas introduit la vidéo au théâtre, ils ont largement contribué à démocratiser sa présence sur scène à un point tel qu'elle s'est aujourd'hui naturalisée.

Théoricienne du théâtre, Josette Féral a enseigné à l'Institut d'études théâtrales de l'université Sorbonne Nouvelle ainsi qu'à l'université du Québec à Montréal. Elle a publié plusieurs livres parmi lesquels L'Acteur face aux écrans. Corps en scène (2018), Théorie et pratique du théâtre : au-delà des limites (2013), ainsi que Mise en scène et jeu de l'acteur, 3 tomes (1997, 1998, 2007). Julie-Michèle Morin est doctorante en littératures de langue française à l'université de Montréal où elle rédige une thèse sur la robotique dans les arts vivants. Lire la suite Fermer

Une idée répandue voudrait qu'il n'y ait pas d'héroïnes noires au répertoire et par conséquent pas vraiment de grands rôles au théâtre pour les comédiennes afro-descendantes. Mais est-ce bien vrai ? Occultation, invisibilisation, décoloration... les figures théâtrales à la peau sombre ont disparu du paysage dramatique avec l'histoire coloniale, c'est ce qu'entreprend de montrer cet ouvrage qui part sur les traces de ces héroïnes du répertoire moins blanches qu'on ne croit. De quoi renverser dénis et préjugés et relire autrement le répertoire.

« Ventre » le deuxième volet d'une trilogie théâtrale du comédien et dramaturge Steve Gagnon continue l'exploration de la séparation amoureuse amorcée avec « La montagne rouge (SANG) ». Elle et lui s'affrontent, s'entrechoquent et se déchirent avec leurs mots nus et leur chair crue.

Cet ouvrage regroupe la traduction d'articles que Gabriela Zapolska, actrice, dramaturge et journaliste, destinait à ses lecteurs en Pologne, alors qu'elle séjournait en France. Ils portent sur l'Art, le théâtre, Paris et la Bretagne. Textes traduits et commentés par Elzbieta Koslacz-Virol, Danuta Knys-Tomaszewska et Arturo Nevill.

De 1911 à 1975, un acteur lia sa vie au Théâtre du Peuple de Bussang, théâtre familial bâti dans les Vosges et qui, sous l'impulsion de Maurice Pottecher, connut un essor prodigieux. Cet acteur, c'est Pierre Richard-Willm, un artiste complet au destin prodigieux. Devenu dans les années 30 une immense vedette de l'écran, il renonça complètement au 7e art pour succéder à Maurice Pottecher. Cet ouvrage met en lumière la part de l'acteur, metteur en scène, décorateur et costumier dans l'évolution de ce théâtre unique qui ouvrit la voie au TNP de Jean Vilar. L'auteur restitue cet étonnant parcours artistique.

Il s'agit d'envisager le théâtre contemporain à partir de ce qu'il semble refuser : le jeu très ancien de la fiction dramatique. Et dès lors de revisiter les catégories traditionnelles (personnage, narration, mimèsis, réalisme) à la lumière de certaines créations d'aujourd'hui. Malgré la réticence proclamée à l'égard de ce qui n'est ni « réel » ni « présent », comment la fiction résiste-t-elle et insiste-t-elle ?
Il ne s'agit pas d'une synthèse théorique, mais d'une série de parcours où se croisent tropismes sarrautiens et personnages de Koltès ou NDiaye, poupées de Gisèle Vienne et métamorphoses de Phia Ménard, enfants-acteurs de Milo Rau et acteurs-traducteurs de Tiago Rodrigues, obscurités de Novarina et éclairages de Pommerat... Des essais reliés par une question - qu'ils essaient de creuser, autour de laquelle ils tournent : qu'en est-il de la fiction dans le théâtre contemporain ? Lire la suite Fermer

Ce livre est une belle leçon de théâtre pour tous les jeunes artistes, un recueil d'histoires extraordinaires, pour que la création hors les murs puisse se poursuivre et se nourrisse aux sources de leurs imaginaires. Les auteurs, des amoureux fous du Théâtre et particulièrement du Théâtre de rue, nous communiquent la vibration de chaque idée, le parfum de chaque mot, le feu qui les brûle toujours.

Les pratiques scéniques contemporaines sont habitées par la dimension visuelle. Or, non seulement elles démultiplient les images sur la scène et n'ont de cesse de solliciter le regard du spectateur, mais elles vont parfois jusqu'à l'absorber, en particulier par le biais de dispositifs désormais nommés « immersifs », lesquels semblent connaître un essor depuis les années 1990. Le présent ouvrage se propose par conséquent d'élargir la question de l'immersion au-delà des dispositifs explicitement immersifs et de faire l'hypothèse qu'elle permet d'interroger un large spectre de spectacles contemporains.

Le phénomène spectaculaire, en perpétuel renouvellement depuis plusieurs décennies, oblige les chercheuses et les chercheurs à travailler sur de nouveaux objets, à inventer de nouveaux outils et de nouvelles méthodes. Ce grand brassage de formes et d'idées, porté par des disciplines aussi variées que l'anthropologie, l'ethnologie, l'ethnopoétique, les études de genres, l'histoire, les sciences et bien d'autres encore, modifie en permanence notre façon de penser les arts du spectacle au passé et au présent.
Il ne s'agit pas dans ce volume de cumuler des études de cas ou des curiosités, mais de croiser des analyses. Qu'observe-t-on ? Comment observer des faits passés ou des objets spectaculaires "non identifiés" ou atypiques ? Comment, en retour, observer et analyser les objets faussement familiers que sont les textes de théâtre ou les spectacles produits à partir de ces textes ? En quoi ces recherches contredisent-elles des présupposés analytiques ou critiques et quelles en sont les perspectives ? Comment l'idée de "spectacle" peut-elle perdre sa connotation péjorative ? Comment en saisir la fertilité dans l'histoire et dans l'époque contemporaine ? Lire la suite Fermer

Comédie en 2 actes. Présentée au théâtre du Gymnase, pour la première fois, le 1er septembre 1832.

TROIS regroupe la trilogie sur la migration et l'identité amorcée par le monologue autobiographique UN, dans lequel Mani Soleymanlou tente de nommer ce qui le définit comme Iranien. Dans DEUX, rejoint par son complice Manu, Mani cherche, comme dans un écho, ce qui a bien pu lui échapper dans sa quête identitaire. Celle-ci culmine dans TROIS, une oeuvre chorale mettant en scène quarante-trois artistes montréalais qui évoquent le sujet sensible de leurs origines et de leur identité.
Avec une pointe d'humour et d'autodérision, TROIS entraîne le propos singulier vers la pluralité, souvent paradoxale, qui forme le Québec d'aujourd'hui

Le théâtre est un lieu d'écoute, un lieu acoustique et phonique, il n'a jamais cessé de l'être. Pourtant, sa théorisation récente l'a longtemps ignoré en ne s'attachant qu'à la scène visuelle ou charnelle ou à l'oeuvre dramatique écrite.
Le théâtre est un lieu d'écoute, un lieu acoustique et phonique, il n'a jamais cessé de l'être. Pourtant, sa théorisation récente l'a longtemps ignoré en ne s'attachant qu'à la scène visuelle ou charnelle ou à l'oeuvre dramatique écrite.
Une telle surdité n'a rien d'exceptionnel : l'oubli de la dimension sonore a touché l'ensemble des sciences humaines et sociales. On a nommé " tournant acoustique " la restauration de l'importance du son par tout un mouvement interdisciplinaire qui a montré que la période contemporaine n'est pas et n'a pas été plus visuelle qu'auditive, ce qu'a longtemps masqué la prolifération des images et de leurs analyses.
Inscrit dans ce mouvement critique, le présent ouvrage réunit 35 collaborateurs de 8 pays différents. Théoriciens ou praticiens du son et de la voix, spécialistes
de théâtre, d'architecture, d'acoustique, de création sonore, historiens et analystes des techniques, des médias et de la culture, livrent ici un ouvrage total, ouvert à tous ceux qui, selon la formule de Jonathan Sterne, ont développé une " imagination sonique ". Lire la suite Fermer

Etre invité à partager la vie d'un théâtre quand on est écrivain est une chance et un privilège qui ne se refuse pas. En 1978, Antoine Vitez m'a proposé de l'accompagner dans son aventure théâtrale, d'abord aux Théâtre des Quartiers d'Ivry, puis au Théâtre national de Chaillot.
Le récit entrepris 30 ans après, à partir du journal que je tenais, s'attache à raconter ce qui avait lieu hors de la scène, dans les coulisses, les loges, les couloirs, les bureaux... et surtout à restituer la figure d'un grand homme de théâtre, toujours présent dans les mémoires.

« Je n'écris pas, heureusement, une histoire de son oeuvre. Je n'écris pas non plus une histoire de sa vie. Mais ce qui est entre les actes.»
Marie Etienne Lire la suite Fermer

Un an après le suicide de son amoureux, une jeune femme retourne à l'endroit où le couple s'était inventé un refuge. Elle veut confier sa détresse à celui qu'elle aimait, et la culpabilité qui la ronge. S'ouvre un dialogue où le temps n'a plus de prise. Au mal-être qu'exprime le jeune homme, la jeune femme réplique par sa propre colère et son trouble devant la nécessité de continuer à vivre.
À travers le désarroi d'une jeune femme qui porte seule le poids de son deuil et la rage d'un jeune homme qui refuse la norme, Steve Gagnon expose crûment le malaise d'une société à court de rituels.

« Comment attirer et séduire le public ? » : telle est la question clé à laquelle a essayé de répondre, dans ses traités, le créateur du théâtre Nô, Zeami (1363 ?- 1443 ?). Sa pensée a laissé l'empreinte dans la postérité de concepts tels que le kata, une forme anonyme et pré-personnelle, ou le ma, l'esthétique du dépouillement, qui constituent les caractéristiques essentielles de la culture japonaise, qui ont imprégné tous ses arts. À l'opposé de la vision occidentale, cette recherche met en lumière celle des arts traditionnels japonais, qui propose une voie pour accéder à un champ plus vaste et plus profond de la conscience.

Ce livre explore de quelles manières les éléments de décentrage mis en oeuvre au Théâtre du Soleil participent à la centralité de son projet artistique. Un vide incontestable existe dans la production universitaire et critique à ce sujet, que nous proposons de combler à l'aide d'une équipe de spécialistes dont nous avons organisé les contributions selon trois axes. Le lieu : situé à la périphérie de Paris, loin des mémoires théâtrales parisiennes normatives, le Soleil est un lieu propice au foisonnement de l'inventivité dramatique. Le jeu : l'adoption de traditions scéniques souvent lointaines, de techniques de jeu exogènes, rend cette troupe dépositaire de l'art théâtral tout entier. La transmission : ni sa fondatrice, ni ses membres, ni son public ne sont prêts à baisser le rideau pour la dernière fois, mais comment prolonger dans le temps une telle entreprise ? La question du devenir se pose aujourd'hui pour cette institution sortie des marges qu'est devenu ce Théâtre. Lire la suite Fermer

Émilie Monnet rencontre Marguerite Duplessis, cette femme autochtone mise en esclavage qui a été la première à défendre sa liberté lors d'un procès en Nouvelle-France, en 1740. Suivant ses traces du Québec à la Martinique, Émilie interroge les archives et leurs résonances.
Sur une scène qui craque comme un volcan sur le point d'entrer en éruption, trois interprètes noires et autochtones. Ensemble, elles feront fondre l'étau de glace qui enserre l'histoire et attiseront le feu de la solidarité. Fébriles et indociles, dansant, chantant et prenant la parole pour toutes les Marguerites, les trois actrices réinventent une mémoire autour d'événements occultés par des siècles de violence coloniale et patriarcale. Cette histoire, c'est celle de l'oppression des femmes autochtones et afro-descendantes qui se perpétue encore aujourd'hui.
« Marguerite, qu'est-ce qui t'est arrivé ? » En complément à la pièce, le riche dossier élaboré par la conseillère dramaturgique Marilou Craft rapporte ce que l'on sait du parcours de Marguerite Duplessis, résume l'histoire de l'esclavage au Québec et relève les conséquences du colonialisme sur la société contemporaine. Lire la suite Fermer

« Ici, ce sont une douzaine de pièces possibles sur Rosa Luxemburg qui s'affrontent. Il n'y a pas d'autre dramatisation que celle de cet affrontement qui tire argument des différentes formes d'expression créées par les luttes politiques modernes (sous tous leurs aspects). Fallait-il présenter de façon abstraite les possibilités de pièces sur Rosa s'affrontant ? Ou bien fallait-il les joindre par une fable ? Le procès intenté par les assassins de Rosa aux auteurs d'une émission (sur elle) présentée par la Télévision de Stuttgart, nous a poussés à choisir la seconde formule - d'autant plus que le procès a été perdu par les auteurs de l'émission. Nous partons du point de vue que l'équipe condamnée répond à la sentence du tribunal - avec une deuxième émission où tous les organismes ou personnages qui ont quelque chose à voir avec Rosa ont été invités. La pièce qui en a résulté ne pouvait lui être fidèle si elle restait uniquement repliée sur son histoire. Elle débouche donc sur une proposition de lutte... Mai 1968 a amené la rupture en nous reprojetant chacun dans notre histoire d'origine. Si le langage (et ses enjeux) n'est plus le même - le combat reste. Cette pièce ne serait qu'un constat de séparation (plus ou moins sincère par moments) s'il n'y entrait la nécessité de prolonger dans le quotidien le combat commencé par Rosa. » A.G. Lire la suite Fermer

La nostalgie, passion des retours impossibles, naît de l'expérience du manque. Les lieux, temps et états hors de portée - terre natale, âge d'or, origine, vie intacte - sont les objets de cette langueur, faisant du sujet nostalgique un être doublement présent et absent, entre enracinement et errance. Ce néologisme, forgé au xviie siècle pour désigner le mal du pays, évoque aujourd'hui aussi bien une posture passéiste qu'une ressource psychique face à la mort inévitable, ou encore l'aspiration à un idéal.
Faits et fantasmes à la fois, les objets hybrides de la nostalgie sont invoqués et transposés par le théâtre. Art des sens et du partage de matières, d'odeurs, de lumières et d'ombres, de sons et de silences, il sait, tout comme la madeleine de Proust, rendre présent l'inaccessible et faire émerger des sensations nostalgiques en donnant chair et relief aux « fantômes du regret » (A. Camus).
Cet ouvrage réunit vingt-et-un textes sur les pratiques et les discours nostalgiques - ou anti-nostalgiques - du xviie au xxie siècle, questionnant des stratégies et des dispositifs de mise en scène, de dramaturgie, du corps en scène, de transmission des savoirs incarnés, de scénographie et d'historiographie des arts vivants.

Avec les contributions de :
E. Barba, E. Baudou, M. Bournot, L. Burgholzer, G. Di Palma, P. Frantz, R. Guarino, T. Julian, P. Lesquelen, A. Maïsetti, S. Marenzi, V. Mazza, Dario M. Nicolosi, L. Parisse, N. Pasqualicchio, B. Picon-Vallin, T. Pocquet, S. Poliakov, J.-M. Pradier, F. Ruffini, K. Tindemans. Lire la suite Fermer

Mendê et Jonas s'aiment. Elle, a quitté son Kurdistan natal. Lui, a déserté la guerre en Irak. De cet amour naissent deux garçons, Ferhad et Mabrouk.
Mais Mendê, qui a perdu la trace de Jonas dans leur exil, confie leurs enfants à Sofia qui s'est engagée au sein d'une association humanitaire.
Sur une île grecque, en Méditerranée, leurs trois destins vont se lier, à jamais.

Ce numéro, coédité par les Presses universitaires de Bordeaux et le Centre international des études du spectacle (Maroc), fait suite à la 10e édition du festival international de Tanger dont le thème a été consacré aux « Dramaturgies alternatives ». Il rassemble les interventions d'une pléiade de chercheurs de renommée mondiale (Patrice Pavis, Stephen Barber, Christel Weiler...) spécialistes des études théâtrales et spectaculaires (performance studies) ainsi que des praticiens issus des quatre coins du monde. Pourquoi les nouvelles dramaturgies ? Parce que le terme même de dramaturgie, de sa première acception en tant qu'écriture dramatique jusqu'à ses dernières manifestations modernes et contemporaines en tant qu'écriture et préparation effectuées par le conseiller littéraire ou artistique du metteur en scène, a connu plusieurs évolutions et mutations. Dans un monde en pleine mutation, soumis à des changements aussi brutaux qu'inattendus, les arts du spectacle ne peuvent qu'être affectés par de tels soubresauts. De nouvelles dramaturgies émergent pour exprimer et traduire sur scène ou dans les lieux publics de nouvelles manières d'être et de représenter le monde. Elles peuvent résulter d'événements politiques, tels les Printemps arabes. Elles peuvent aussi être la conséquence de l'instauration, surtout dans les pays occidentaux, de nouvelles pratiques muséales ou de nouveaux modes de diffusion artistique, comme être tout simplement le fruit d'une nouvelle réflexion sur la nature des arts spectaculaires au XXI e siècle ou de questionnements liés à la pratique théâtrale et spectaculaire. En s'appuyant sur des expériences spectaculaires considérées comme neuves ou novatrices, chacun des contributeurs donne son point de vue en essayant de délimiter les contours de ce qui peut être une « nouvelle dramaturgie ». Pour donner à voir les différentes manifestations de ces nouvelles dramaturgies, et suivant la ligne éditoriale de la revue ouverte sur toutes les expériences spectaculaires à travers le monde, ce volume comporte des textes aussi bien en français, en anglais qu'en arabe. Lire la suite Fermer

Les Bamanan ne font pas de différence fondamentale entre jeu et manifestation sérieuse. L'animateur de marionnettes ne se laissera pas emporter par le côté ludique de son rôle, il s'y attachera avec sérieux et dévouement en vue de créer un plaisir sain chez les spectateurs. L'adage populaire dit que l'amusement n'empêche pas le sérieux : « toute personne susceptible de te dépasser dans le jeu est à coup sûr en mesure de te surpasser dans d'autres domaines plus sérieux ». Ainsi par exemple, lorsque le village de Tiongoni, dans le cercle de Ségou, organise son spectacle de marionnettes, il invite les différentes associations de jeunes des villages environnants qui envoient donc des représentants.

Huit personnages vivent dans des cabanes autour d'un lac, au milieu d'une forêt, Des hommes, des femmes, qui ont des chenilles, des papillons, des peuples en migration dans les jambes et dans le ventre.
Un matin, Élie, la femme marin, décide de partir sur un bateau ; Emma se prépare à mettre un oreiller sur le visage de ses fils ; Thomas se met à manger les oies de Louise : Louise passe ses nuits au milieu du lac, à hurler comme un loup. Ils font tout ça par ennui, pour provoquer quelqu'un ou te temps, pour lancer un appel, par besoin urgent que quelque chose se passe, enfin.
C'est aussi et surtout une envie folle de bousculer les choses, de ne pas avoir peur de se tromper ou de s'égratigner et de ne pas se complaire dans un confort qui parfois nous prend à la gorge et nous donne la terrible sensation de passer à côté. Lire la suite Fermer